23岁的他提交了这样一份毕业设计——
1977,house of meditation ©隈研吾
在隈研吾的描述中，这是一栋位于东京上石神井的集合住宅。与周遭的环境肌理融为一体，由北而入，与丛林共生。
整个建筑的平面布局，以中世纪修道院为原型。
与路易·艾瑟铎·康（louis isadore kahn）的多米尼修道院(dominican motherhouse)有着异曲同工之处。轴测图中所表现的集中式建筑，核心与外立面搭配双层通透的结构，也颇受其影响。
1977,house of meditation ©隈研吾
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中庭里，食堂、厅室，钟塔，静思湖……几大重要区域交错散落，以不同的角度打破原本集中式建筑在方向与排布上的秩序。
居住于此的人们每日都要在这里穿梭而过，宛如只要经过回廊，便能将外界的喧嚣、繁华抛之脑后，进入一个静谧、静心的神圣空间。
在一片宁静、祥和之中，散步、阅读、交谈、聆听……颇有种大隐隐于市的味道。
1977,house of meditation ©隈研吾
在这样的空间里，人们有足够的时间去冥想、去沉思，去向内探索真实的自己，找回属于自己的生活方式。
然而，重塑宗教式的禅意、诗意的同时，又不失功能性和趣味性，刻意安排的动线和视线，为群居其中的个人营造出层次丰富的空间体验。
看得出来，隈研吾的毕业设计有着浓烈的后现代主义风格。
他尝试用“反叛”思维，去打破以往现代建筑的种种弊端，去突破如同复制粘贴般的单一、乏味、沉闷、冷漠……再重构新的居住模式和建筑语汇，从而找回艺术的本真和独一无二的特性。
这样的超越，背后隐藏着的是一种少见的、大胆的、创新的、开放的精神。
1990，m2 ©kkaa
不难看出，在那期间的隈研吾深受后现代主义建筑思潮的影响，他追求标新立异、特立独行。
贝聿铭29岁毕业设计横跨60年的伏笔
在哈佛读研的最后一年，贝聿铭师从初代现代主义建筑师、包豪斯（bauhaus）创始人瓦尔特·格罗皮乌斯（walter gropius）。
那时，“国际风格”在建筑界盛行，而这种简洁、单纯，推崇几何形式，甚至不需要任何装饰的风格，正是由包豪斯师生所推动。
格罗皮乌斯坚信，世界会按照不同速度工业化，先西方、后东方。但不论早晚，最终都会工业化，而国际风格必将席卷全球。
29岁的贝聿铭，虽然认可老师的基本观点，但又不全盘接受。相比于统一、单调、有局限性的国际化风格，他认为建筑更应该因地制宜，考虑到方方面面。
贝聿铭和瓦尔特·格罗皮乌斯 ©iweek
或许是出于好奇心，或许是年轻无畏，某次课堂上，他打断正在授课的格罗皮乌斯，并提出疑问。
世界各地的风格、特色均有不同，并不应该被“国际风格”弱化，甚至消融。
“气候、历史、人文、生活……这些又该怎么办？”
格罗皮乌斯对他说：“我不同意你的看法，但如果你坚持自己是对的，那就大胆去做，证明给我看。”
就这样，一个大胆的想法开始在贝聿铭心里萌发、成型。
那时，几乎所有在建的中国建筑都是新古典主义风格。
但他却认为，中国展品的大小，并不适合学院派风格的立柱和山花。
他不希望那些在美国、欧洲随处可见，千篇一律的建筑，也同样出现在中国。
贝聿铭决定，为中国艺术品量身定制一座博物馆。
考虑到东方艺术品的特性及收藏、展示需求，与西方强烈的公开性不同，尤其是中国、日本、韩国，大多是供偏私人、隐秘的欣赏、享乐之用。
以及不同地区生活、文化上的差异。
贝聿铭认为，与之相匹配的建筑必须有别于西方博物馆。就这也，确定了设计的大致方向。
几个月后，他拿出了自己的毕业设计作品——上海艺术博物馆的平面图纸和模型。
从平面图上可以看出，这是一个长宽比例为2:1的矩形，而这恰好也是通常情况下宣纸的比例。
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1948年2月，贝聿铭上海艺术博物馆设计稿
©杂志《进步建筑》( progressive architecture )
木质的两层现代建筑，首层的展示区被贝聿铭分为：陶器、瓷器、牙雕、玉雕、漆器、书法、绘画、铜器、石雕等等。
二层的展示区包括两个展厅，一个按照朝代展览，一个用于书画、陶器、玉器、铜器等的展览。整座建筑分为南北两大功能区，除却展厅，还有学术报告厅、研究及工作人员办公区、藏品仓库等区域。
馆内有大约10个大小各异的庭院。
不只有4个上下贯穿，在二层他还设计了2个采光井。
其中不乏山石、水池、溪流、竹林、花草等中式景观。
既有现代布局，又有古典雅致的线条勾勒；既有西方的开放，又有东方的含蓄、内敛。
这也使得这座典型的现代主义博物馆中，融入了中国人熟悉的场景、元素，让人与空间产生了情感共鸣。
贝聿铭将传统文化与现代建筑结合，并进行现代性转换的一种方式，从而形成了一种具有中国本土特征的现代建筑。
1948年2月，贝聿铭上海艺术博物馆设计稿 ©杂志《进步建筑》( progressive architecture )
格罗皮乌斯将其评价为“我所见过的最精致的学生作品”。
身为导师，他为贝聿铭写下这样的推荐语：“一位有能力的设计师，可以很好地坚持基本的传统特征，却不会放弃设计方面的进步观念。”
而在往后的建筑生涯中，贝聿铭也不枉期待，凭实力将这句话演绎得淋漓尽致。
同时，这个作品也被认为是哈佛有史以来最重要的毕业设计之一。
1948年2月，贝聿铭上海艺术博物馆设计稿 ©杂志《进步建筑》( progressive architecture )
美国权威杂志《进步建筑》( progressive architecture )对此作品赞赏道：“在20世纪40年代背景下，这个作品在建筑设计先进性与普遍型博物馆适应性上，达到高度统一。”
是的，不只对于贝聿铭本人，乃至整个建筑界，这都是一次突破性的进步。传统与现代碰撞，东方与西方交相辉映，那些曾经被认为无法跨越的界限，就这么被冲破。
即使时至今日，这座“上海艺术博物馆”仍然停留在图纸上，但却如同早有预谋一般，在冥冥之中埋下了一个横跨60年的伏笔。
扎哈·哈迪德25岁毕业设计打破秩序，飞跃平面
1950年，扎哈·哈迪德出生于伊拉克首都巴格达，彼时的伊拉克还没有陷入混沌泥沼，而是最先进的中东强国。
扎哈的父亲是当时的民主党领袖级人物，优渥的家境让她度过了一个无忧无虑的童年，也足够支持她培养兴趣爱好，为梦想创造自由成长的空间。
小时候的扎哈热衷在家里四处涂鸦，有段时间她被波斯地毯的繁复、神秘深深吸引，动不动就盯着那如同魔法般的花纹出神。
父亲曾经送给她一面不对称的镜子，这又激发了扎哈对不规则、不完整的浓厚兴趣。
扎哈·哈迪德童年旧照 © ins zhhahadidarchitects
而这在后来也被她大胆地运用到建筑设计之中，打破固有秩序，用不对称和错位为建筑赋予层次和张力。
据扎哈回忆，在她11岁时就有了成为建筑师的想法，可在黎巴嫩首都贝鲁特读大学时，她却选择了数学专业。
当然，这段求学经历也为她的作品带来源源不断的灵感，拓扑、凸体几何、双曲几何、黎曼面理论……那些美轮美奂的建筑，与复杂的数学逻辑、几何算法密不可分。
2014～2019，北京大兴国际机场 © huftonandcrow
大学期间，扎哈发现自己对建筑的热爱愈发浓烈。
22岁那年，为了她的理想和学业，全家人陪她一起移居伦敦，也是从这时开始，扎哈才从真正意义上接受了正规、系统的建筑学教育。
进入全世界最具声望和影响力，也是英国最老的独立建筑教学院校——aa建筑联盟，翻开了人生新的篇章，也开启了探索建筑的奇妙之旅。
童年时期在罗马的扎哈·哈迪德 © ins zhhahadidarchitects
在aa学习期间，由于导师雷姆·库哈斯（rem koolhaas）的影响，她迷上了俄罗斯几何抽象绘画先驱马列维奇（kazimir malevich）的至上主义。
正如马列维奇所说：“变形并不是指艺术家为了一种新造型来改变物体的形状，变形乃是从物体本身去感知绘画的元素。”
相比于客观存在的物质本身，至上主义更注重感知体验，扎哈脑洞大开：“为何不试着把这些抽象的艺术，转化为实际存在的建筑？”
抱着这样天马行空的想法，她真的在毕业时交出了一份足够令人震惊的答卷——malevich’s tektonik，这是一个位于泰晤士河的14层酒店设计，灵感就来源于马列维奇的画作。
1976-1977, malevich's tektonik © zaha hadid foundation
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当线条不再是横平竖直、规规整整的硬朗模样，那些纯粹的几何形态经过结构、重组，构造出一个看不见的四维空间，更加开放地、自由地“飞”出平面，漂浮于水面之上、城市半空……
毕业后，由于成绩优异扎哈被留在学院成了一名教师，但无处安放的创作激情，让她并不想满足于现状。
27岁的扎哈加入大都会事务所（oma），在做了两年的学生及六个月的合伙人之后，成立了的个人工作室，但没有背景、没有资源的她，为了让人自己的作品被更多人看到，只能踏上疯狂投标、参加各种建筑、设计大赛的道路。丹下健三25岁毕业设计始于毕设的“图文”追求
巨匠的出山之作无疑是展示自己才能、得到社会认可的关键，无论是佐藤光彦的模拟手绘制图，还是前川国男对近代建筑的苦苦钻研，再到高松伸的未来派机械化医疗都市，都是建筑师的对建筑设计或者未来发展的表态。
而丹下健三的毕设chateau d’art, 直译过来“艺术馆”，也昭示了丹下健三对建筑的重要反思。
图5，丹下健三“艺术馆” ©kenzo tange
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设计场地毗邻东京的日比谷公园，附近就是赖特的帝国酒店，这个艺术馆旨在容纳多名艺术家，以diy工坊为主，附以讲堂和美术馆以及其他一些艺术设施。
图6，丹下健三“艺术馆” ©kenzo tange
丹下是一个柯布西耶的铁杆粉丝，他在旧体制下的广岛高等学校读书，学生时代决定做建筑师的契机便是从外国杂志上看到了苏维埃宫和centrosoyuz。所以在读建筑时，他经常腋下夹着柯布西耶的作品集在校园内走动，同时他师从的前川国男曾经在柯布西耶事务所学习过，也对丹下造成了长足的影响，使其更加痴迷于柯布西耶的作品。
图7，centrosoyuz，图片来源：https://architecturetoday.co.uk/centrosoyuz-building-moscow-le-corbusier-ian-volner/
这个艺术馆的设计灵感也来自“后柯布西耶”时代的瑞士学生会馆。整个艺术馆具有纯净的建筑体量，拥有简练和规整的布局，并把主动线的底层抬高，正面放置柯布喜欢的雕刻，而由天然石堆积的墙面呈现出了较大的转角，扩展了室内空间的利用...种种此类，无不彰显丹下对现代主义建筑的追求。
图8、图9， 丹下健三“艺术馆”©kenzo tange
包括梯形会议场的平面布置，弧线墙的运用，多多少少能看出柯布西耶作品的影子。
图10、图11， 丹下健三“艺术馆”©kenzo tange
图12，柯布西耶瑞士学生会馆，©samuel ludwig
而毕业设计只是丹下思想的一个起势，毕设的第二年，丹下就发布了一篇论文“michelangelo颂-也是柯布西耶论的序”，字里行间传递他对这两位伟人的喜爱之情。他曾在1981年的《新建筑》中说“我为各种遗产所感动，伊势神宫、桂离宫让人感动，希腊、罗马、文艺复兴的建筑让人感动，而与此相匹敌的现代建筑只有柯布西耶，我为他的马赛公寓和里昂修道院感动，而对同时期的所有现代建筑不为所动。”丹下认为，米开朗基罗雕刻的深度和光影效果是动人的，而柯布西耶的建筑具有相同的效应，这令他十分着迷于寻找个中缘由。
图13，米开朗基罗《圣母哀悼》，图源https://www.epochtimes.com/b5/13/2/3/n3792263.htm
他认为，柯布西耶和米开朗基罗都出生于动荡的时代，担负了同样的使命：米开朗基罗否认了哥特式，复兴了古典，又超越了古典。于是丹下指出，柯布西耶的概念是创新的，然后穿上了现代样式的衣服，这种思想和形式的融合是令人感动的源泉，他曾形容柯布西耶：从现代建筑的原点开始，并提高到了建筑艺术的高度”。
图14，勒柯布西耶瑞士学生之家，©usuario de flickr
自此丹下健三便着迷于柯布西耶“图与文，形与理”的关系，越发深入地钻研西方和日本建筑的融合方法，这也在之后成为了支撑日本战后建筑界的学习方法。
丹尼尔·里伯斯金24岁毕业设计像柯布西耶一样去破坏，去重组
高中毕业后，里伯斯金考进纽约库珀联盟学院（cooper union），成为了“纽约五人组”之一约翰·海杜克（john hejduk )的学生。
硬朗线条、神秘氛围、深厚的象征意义……海杜克的独特风格正是基于柯布西耶和密斯·凡·德罗。
里伯斯金也深受其影响，开始追寻柯布西耶的足迹，踏上了一场未知的探索之旅。
在他本科的课程设计中，他曾选了柯布西耶的萨伏伊别墅（villa savoye）进行解析。
1967–1968，analysis: le corbusier, villa savoye ©cooper
这栋位于法国巴黎西郊普瓦西的乡间别墅，正是基于柯布西耶的重要理论——“新建筑五点”。即底层架空、屋顶花园、自由平面、横向长窗和自由立面。
宅基为矩形，长21.5米，宽19米，共三层。由于采用钢筋混凝土结构，底层以纤细立柱及半圆柱状入口作为支撑足矣。这样的巧妙设计，实际上也是为了方便车辆进出，同时让房子宛如脱离地面，有种与以往欧洲住宅截然不同的“悬浮”感。
1928-1930，villa savoye ©ins pixiprol
入口左侧的旋转楼梯可以直达二层，由于四面长窗环绕，让室内通透敞亮、采光更佳，又能与外界景致产生联结。
二层外侧的坡道通往三层的屋顶花园，在这里可以尽情拥抱自然，享受日光、远离喧嚣。
不管是旋转楼梯，还是坡道，都让居住者可以尽情穿梭于不同空间之中，将柯布西耶“建筑漫步”的理念展现得淋漓尽致。
档案号 flc 19425 ©fondation le corbusie
在萨伏伊别墅的设计之中，柯布西耶将传统住宅的界限、功能进行解构，重新建立了灵活多变的新秩序。
不得不说，里伯斯金的人生也如柯布西耶的作品一般，不断打破重组，不断突破自我，从而进阶到更高的维度。
为了完成包括约翰·海杜克（john hejduk )在内的三位建筑系教授要求的毕业设计课题，他从研究“拼贴艺术（collage）”着手，并将其中的“拼贴画（collage-drawings）”发展为一种利用线条、相片碎片、色块，同时利用画布的负空间进行创作，来表达三位建筑空间形式的方法。
其中涵盖了几何秩序（geometric order）、极简主义（minimalism）、精确主义（precisionism），以及超级工作室（superstudio）、阿基佐姆(archizoom）的乌托邦/反乌托邦叙事（utopic/dystopic ）。
此后，基于对“拼贴艺术（collage）”的研究，里伯斯金开始对建筑平面图进行解构、重组，并创作了一系列名为拼贴画谜（collage rebus）的绘图。
1969-1970，collage rebus ii: axonometric crystal ©cooper
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没错，这就是他毕业设计里展现的的拼贴画艺术，不仅打破了固有的二维平面局限，也模糊了虚与实的边界。
1969-1970，collage ©cooper
在不断地发展、演变之后，这种由立体派艺术家布拉克和毕加索创造的拼贴画风格，早已凭着自带的创新、有趣及艺术感成功破圈，成为了一种备受追捧的时尚潮流。
结语以上就是小编总结的五位大师的毕业设计欢迎在下方留言、投票选出你最喜欢的大师毕业作品
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