2023巴塞尔艺术展巴塞尔展会“意象无限”策展人乔瓦尼·卡迈恩 (giovanni carmine) 谈到，“‘意象无限’并不是一个主题展览，它在很大程度上反映了目前市场的兴趣所在……我试图通过‘意象无限’建立越来越多新的可能，与巴塞尔艺术展的社群更多的联系起来，一同讨论、生产并展示具有潜力的创作。这也是我们今年想要的方向：崭新的和特定具体的作品。”
2023巴塞尔艺术展巴塞尔展会（6月13日-18日）即将接近尾声，本届展会共聚集了全球36个国家的284家画廊参展，在延续过往“艺廊荟萃” (galleries)、“艺创宣言” (statements) 、“策展专题” (feature)、“城艺之旅” (parcours) 和“意象无限” (unlimited) 等常设展区之外，也迎来了首度登陆巴塞尔展会的版块“策展角落” (kabinett) 。
从展会室内主场精心策划的展位集合，到零散分布在巴塞尔市各处的特定场域装置和行为表演，本届巴塞尔艺术展显露出较之以往更具针对性的品牌策划思路和对公共空间干预的野心，将商业活动落实在社会意义的衍生之上。而介于标准展位空间和开放场域的“意象无限”展区，恰好体现了这一利用媒介丰富性来搅动当代艺术整体生态的潜在力量。作为巴塞尔艺术展特地为探索可能性的项目设立的展示平台，今年的“意象无限”汇集了近几年在世界范围内受到广泛关注度的艺术家，除了诸如格哈德·里希特 (gerhard richter)、芭芭拉·克鲁格 (barbara kruger)、克里斯蒂安·马克雷 (christian marclay) 等知名艺术家带来的新作之外，也展示了例如奥古斯都·塞拉皮努斯 (augustas serapinas)、戴蒙德·斯汀格雷 (diamond stingily) 等新晋艺术家的创作。在“意象无限”总共展现的76件形态各异的作品中，涉及的媒介涵盖了不限于装置、雕塑、绘画、影像和表演互动艺术等，探索的议题也从微观个人、艺术本体语言的讨论延伸至更广泛的社会、文化和生态气候。基于此，art-ba-ba为大家精选出了其中20件值得关注的作品。
①
阿岱尔·阿贝德赛梅
adel abdessemed
展位：u1
常青画廊
galleria continua
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阿岱尔·阿贝德赛梅，《jam proximus ardet, la dernière vidéo》(2021) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
6k视频投影，彩色，1分40秒（循环），尺寸可变
© adel abdessemed，巴黎 adagp 2023
图片来源：巴塞尔艺术展会
由6k影像呈现的一艘燃烧的船只可以说是本届艺术巴塞尔展会最引人瞩目的开场。火与水——其自然对应物——是阿尔及利亚裔法国当代艺术家阿岱尔·阿贝德赛梅采用的元素，用以描述《jam proximus ardet，la dernière vidéo》中一个强大却转瞬即逝的实体。这件作品拒绝了传统的叙事手法，只使用了一个单一镜头：正在燃烧的船在地平线上若隐若现，使观众几乎相信这可能是一个现成的图像。随着船只越来越近，我们意识到艺术家的存在，他孤傲地站在主桥上，似乎对他身后发生的骚动毫不在意。这段视频让人联想起阿贝德赛梅最具代表性的摄影作品《无辜的我》(je suis innocent, 2012) ，它提供了一个寓言，描绘了在地中海上发生的悲剧，同时借用了维吉尔的史诗《埃涅阿斯纪》的标题，其中主人公意识到特洛伊城正在燃烧，注定要毁灭。
②
科里·阿肯吉尔
cory arcangel
展位：u74
里森画廊
lisson gallery
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科里·阿肯吉尔，《与你的兴趣相关》 (related to your interests) 在youtube频道上生成的视频截帧，2020-2021
机器人生成的单通道mpeg-4数字音频和视频文件的档案，19:6，放映室（可变），艺术家软件，持续时间：256小时
图片来源：巴塞尔艺术展会
在本届巴塞尔艺术展会中，科里·阿肯吉尔首次呈现了他在2020年至2021年创作的《与你的兴趣相关》(related to your interests) ，该作品由数百个机器人生成的视频集合而成（包含855个youtube视频的合集）。阿肯吉尔使用机器人程序从“标题党” (clickbait) 网站中提取内容，经过重新整理，再上传至该项目特定的youtube频道——需要注意的是，这个过程完全没有被艺术家介入。《与你的兴趣相关》中的荒谬和美学上不和谐的叙述不仅源自文本和图像的未知组合，也来源于人工智能的声音对其进行的朗读，同时将图像、声音和视频融合在一起。每个视频的时长各不相同，每天进行两次，持续约一年半的时间。这个过程在很大程度上体现了阿肯吉尔对当代文化中有关技术使用的兴趣，也构成了他探索时长电影、人工智能和表演更广泛思考的一部分。
*youtube频道的链接可在以下网址找到：rtyi.coryarcangel.com
③
欧拉夫·尼可莱
olaf nicolai
展位：u65
艾根画廊
galerie eigen art
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欧拉夫·尼可莱，表演《房屋清洁》(ménage de la maison, 2022) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
表演、文本和概念：欧拉夫·尼可莱
表演者：meike droste和thomas rudnick
该作品于2022年受德国波茨坦minsk艺术之家委托创作
图片来源：巴塞尔艺术展会
1962年出生于德国的欧拉夫·尼可莱曾在莱比锡、维也纳和布达佩斯学习德国文学和语言学。在他于本届巴塞尔艺术展会中呈现的表演作品《房屋清洁》(ménage de la maison) 中，参与者一边说话哼曲，一边使用绿色塑料制成的扫帚扫地。期间，表演者会邀请路过的观众停留，带领他们思考正在周围发生的事物。以下为配合表演的文本：
一把扫帚，一种很容易看到但又不碍事的扫帚。 它在墙上，靠在一根柱子上。
一把特殊的扫帚——就像巴黎街道清扫工使用的扫帚。扫帚旁边可能挂着一件工作服，还有清洁用品。
每天中午左右，就有人来，穿上罩衫，拿着扫帚扫地。
在入口处，在房子前面。 清扫大约20到30分钟的时间。
在这个房子里，大声谈论，或者独白，关于天气，关于城市里发生的事情。思想通过头脑，让我们思考。 边唱边哼。《房屋清洁》——关于很多方面。
收拾好后，扫帚、工作服、清洁用品都将归位。 等待第二天被再次使用。
这种简单的日常清扫成为一种仪式。 也许游客会再次留意、关注、倾听。
④
奥古斯都·塞拉皮努斯
augustas serapinas
展位：u41
galerie tschudi
& apalazzo gallery
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奥古斯都·塞拉皮努斯，表演《丘尔廖尼斯健身房》(čiurlionis gym) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
石膏、钢、木材、织物、地毯、声音、锻炼课程，尺寸可变
图片来源：巴塞尔艺术展会
表演（健身课程）《丘尔廖尼斯健身房》(čiurlionis gym) 每天都会在巴塞尔艺术展会上进行，而diy健身设备则放置在一张方形蓝色地毯上。艺术家奥古斯都·塞拉皮努斯1990年出生于立陶宛维尔纽斯，这件装置作品正是源于塞拉皮努斯在立陶宛的国立m.k. čiurlionis艺术学院的亲身经历。他接受的教育主要通过模仿自然和制作古希腊雕塑的石膏复制品来培养绘画、雕塑等实践艺术的技能。在《丘尔廖尼斯健身房》中，他回顾了自己在学校期间留存的学习档案，复制了自己的作品和石膏模型，并将其用于一个可使用的健身房中。这个作品通过和健身锻炼的比较，对基于模仿和复制的艺术教育提出了质疑——这两者都基于重复的行为和努力的工作。
⑤
莫妮卡·邦维奇尼
monica bonvicini
展位：u22
tanya bonakdar gallery
& galerie peter kilchmann
& galerie krinzinger
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莫妮卡·邦维奇尼，《永不再来》(never again, 2005) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
镀锌钢管、链条和夹子、皮革、铆钉，350 × 1600 × 110 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
莫妮卡·邦维奇尼从20世纪90年代开始创作大型的建筑装置，以此探索建筑环境以及它与权力、（性别）身份表达的关联如何定义我们对空间的构建。《永不再来》(never again) 是由钢管、黑色皮革和链条构成的一组秋千，悬挂在钢制结构上。当观众在这些颠覆性的结构中穿行，并亲身参与其中时，也意味着对展览观看传统的改变。邦维奇尼的作品从她对精神分析、性、劳动、女权主义和建筑的相关研究中汲取灵感，探讨了城市、私人和机构空间如何支配我们的行为。作为一种对社会和结构的批判，《永不再来》反映了极简主义艺术如何从身体中净化自己。
⑥
何翔宇
展位：u50
andrew kreps gallery
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何翔宇，《继承的创伤》(inherited wounds, 2022-2023) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
木头、铁、合成树脂清漆、丙烯酸漆、橡胶、塑料
24把大木椅：65 × 35 × 43 cm /每件
24把小木椅：15 × 8 × 11 cm /每件
整体 590 × 65 × 580 cm，尺寸可变
图片来源：巴塞尔艺术展会
何翔宇在装置《继承的创伤》(inherited wounds)中再次探寻了模仿与真实、结果与过程之间的界限。作品中的24把椅子是艺术家在学校里捡到的，上面有涂鸦和划痕，暗示着对“同质化”无辜的暴力和破坏性的反抗。这些椅子整齐地排列成三条对角线，呈现出严谨的秩序感。一组相对微型的椅子则遵循相同的模式，每把椅子都以一种既拟人化又人造的怪诞风格保留了原作的物理体验。此外，这些复制品也继承了个体身份因压迫和限制而产生的创伤。这两组椅子相互映衬，传达了由纪律和叛逆所产生的创伤的连续性。
⑦
纪尧姆·拜耳
guillaume bijl
展位：u23
galerie nagel draxler
& meredith rosen gallery
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吉约姆·拜耳，《matratzentraum》(2003-2023) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场 , 2023
混合媒介装置，400 × 625 × 1375 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
在场域装置《matratzentraum》中，纪约姆·拜耳将展览空间精心布置成一家售卖床垫的商店。每一个细节都经过仔细的考量，包括但不限于价格标签、玻璃纸包裹的床垫、标牌和荧光灯。拜耳选择装置的呈现形式建立在虚构叙事的前提下，即艺术空间不再供公众使用，而是租给了一个更具实际功能的企业。床垫作为一个场所，唤起了休息、日常生活和有关住所的基本需求。人类生活的基本价值从其固有的性质中剥离出来，并作为产品出售，这促使人们对家庭的商品化进行更深入的调查。尤其在艺术博览会的背景下，《matratzentraum》进一步揭示了人们将价值归因于人类基本需求的资本主义本质。
⑧
荷达·卡什哈
hoda kashiha
展位：u61
galerie nathalie obadia
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荷达·卡什哈，《欣赏瞬目》(in appreciation of blinking, 2021) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场, 2023
8幅画：帆布丙烯和混合媒介，210 × 175 cm /每幅
图片来源：巴塞尔艺术展会
1986年出生于德黑兰的伊朗艺术家荷达·卡什哈探讨了当代伊朗社会中的女性主题。除了伊朗数月来一直经历的动荡，这一几乎可以被描述为绘画装置的《欣赏瞬目》(in appreciation of blinking) 也适用于世界上许多文化中存在的各种蒙昧主义的观念。该系列再现了“眨眼”瞬间所看到的景象。《欣赏瞬目》的每一幅画面都涉及从出生到死亡的特定主题，以及其间所经历的各种情感：好奇、缺乏、诱惑和爱。整个系列遵循强烈上升的戏剧性，例如描绘出生的希望如何消逝至完全的黑暗中。眼睛的眨动最终被体现为生命的隐喻，描绘了伊朗当今的年轻人，尤其是年轻女性所面临的艰难境况。
⑨
凯瑟琳·布拉德福
katherine bradford
展位：u11
campoli presti
& canada new york
& kaufmann repetto
凯瑟琳·布拉德福，《运动员》(the athletes, 2022) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场, 2023
布面丙烯，三联画；203 × 518 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
在艺术家迄今为止最大幅的画作《运动员》(the athletes) 中，凯瑟琳·布拉德福德继续描绘她作为81岁的画家、母亲、女同性恋者和祖母的故事。在这幅超过五米长的三联画中，布拉德福德表达了一个关于社区、赋能和复杂的人类关系之间相互联系的愿景。画中五个巨大的人物在合作活动或社交场合相互支持，周围环绕着墨蓝色的天空以及盘旋和漂浮着的五颜六色的圆盘。布拉德福德沉浸在她的另类幽默中，这群沐浴者或杂技演员在游行中既脆弱又自信。在这里，不同种族、不同性别和不同肤色的角色的个人特质被整合成一个可识别的、强大的集体。
⑩
康妮·迈尔
conny maier
展位：u27
société
& ruttkowski;68
康妮·迈尔，《来源》(the source, 2023) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场, 2023
油、油画棒，画布上的颜料，双联画
画面1：300 × 700 cm、画面2：300 × 200 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
“源头” (a source) 是水流初始的地方，同时也是一个指涉生成力量的词语，它有关一种原因，一个起源点，或者一个促使引发的事物。所有这些含义都渗透在德国艺术家康妮·迈尔这件被命名为《来源》(the source) 的大型双联绘画之中。伴随奇特的永恒性，画面中的场景似乎既可以轻易地发生在遥远的过去，也可以存在于勇敢的未来世界。然而，《来源》中田园般的生活与鲜艳的色彩却被居住其中的扭曲人物所扰乱——他们似乎正在以威胁世界的方式把世界撕碎。而这些人物之间的不明确关系更是加剧了紧张的氛围，尽管这个过程也可以被解读为身体如何与一个不断变化的世界寻找平衡且长期斗争的证明。在柏林smac艺术空间对迈尔进行的采访中，迈尔曾谈及“我把我的作品看作是一种把自己推到表面的冲动。”而迈尔的绘画也总是提出这样的问题：人类如何在一个编码的环境中组织自己？以及在这个外表下可以隐藏怎样的现实？
⑪
喻红
展位：u24
里森画廊
lisson gallery
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喻红，《愚人船》(the ship of fools, 2021) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场, 2023
布面丙烯，250 × 900 × 5 cm（整体）
图片来源：巴塞尔艺术展会
喻红的三联画作《愚人船》灵感来自耶罗尼米斯·博斯 (hieronymus bosch) 创作于16 世纪末、17 世纪初的著名同名三联画。博斯是早期尼德兰画派的重要人物，以其幻想风格和对罪恶以及人类道德沦丧的描绘而闻名。在这幅创作于2021年的作品中，喻红描绘了一群年轻人在冰川和汹涌海浪的壮观背景下努力维持船的漂浮。他们不顾一切地为生存而战，与陶醉在美景中无忧无虑的动物形成鲜明对比。鉴于不断变化的气候和人类生存的挑战性，作品敦促观众反思包括人类在内的所有生物是如何共处于一个更大的生态系统。
⑫
塞尔玛·塞尔曼
selma selman
展位：u4
acb galéria
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塞尔玛·塞尔曼，《在金属上绘画——梅赛德斯-奔驰》(painting on metal – mercedes-benz，2023) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场, 2023
金属上的油画，300 × 400 × 30 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
塞尔玛·塞尔曼的这幅最新的祭坛式大型画作基于一辆被拆解的奔驰汽车。塞尔曼首先将汽车的车顶、引擎盖和车门变成一件复杂的雕塑作品，然后在其表面画上有机、柔和的形状，唤醒混合，神秘的身体，以及纤长的四肢与空洞的眼睛，以此和冰冷的汽车金属部件形成令人不安的对比。这件作品与塞尔曼在2022年创作的第一件装置绘画作品《梅赛德斯-奔驰的六块部件》(six pieces of mercedes-benz) 类似（曾在第15届卡塞尔文献展中展出），也延续了她从表演录像《梅赛德斯矩阵》(mercedes matrix, 2019) 中建立的循环，在这个循环中，她与家庭中的男性成员一起拆分了一辆梅赛德斯-奔驰汽车，这是富裕和地位的象征，不仅在艺术家原来所处的巴尔干半岛的罗姆人社区，也适用于全球大部分地区。
⑬
格哈德·里希特
gerhard richter
展位：u48
卓纳画廊
david zwirner
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格哈德·里希特，《条形塔》(strip-tower, 2023) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
迪邦铝塑板和有机玻璃之间的印相，8块立式玻璃板
总体尺寸：350 × 162 × 162 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
《条形塔》(strip-tower) 是格哈德·里希特最新创作的装置作品。这件高度超过3米的雕塑融合了里希特长年对视觉表现本质的探索。它由8块垂直光滑的有机玻璃和铝塑板组成，这些具有反射特性的材料既反映了周围的环境，也瓦解了图像平面与外部世界的划分。中间的抽象构图则类似里希特自2011年起持续创作的《长条》 (strip) 系列，表现了绘画、摄影、数字复制和抽象之间的对话。另外，结合里希特在卓纳画廊主展位中展出的一件绘画——来自艺术家于1991年创作的《抽象画》 (abstrakte bilder) 系列，里希特更进一步地将他对绘画媒介独特的理解和分析，以及实验方法扩展至三维空间。也因此，《条形塔》并不仅仅作为一种纯粹的雕塑，同样也可以被理解为是艺术家对其绘画实践进行的物理结构的衍生和转化。
⑭
芭芭拉·克鲁格
barbara kruger
展位：u68
施布特-玛格画廊
sprüth magers
& 卓纳画廊
david zwirner
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芭芭拉·克鲁格，《无题（我们的领袖）》(untitled, our leader，1987/2020) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
led面板上的单通道视频、有声，24分钟，350 × 200 cm
图片来源：巴塞尔艺术展会
芭芭拉·克鲁格在其长达40多年的职业生涯中，一直在尝试打破边界，持续在她的艺术创作中结合文字和图片，直接以强有力的图像和文化评论吸引观众，同时建立起艺术家与社会和政治发展的持久对话。在《无题（我们的领袖）》(untitled, our leader) 中，令人感到不安的黑白图像让人联想到腹语术表演中的演员原型，紧接着被红色矩形上的白色字体叠加。当屏幕中“我们的领袖”迅速转变成“我们的债主” (our lender) 或“我们的骗子” (our liar) 时，视频便被锤子敲打铁砧的声音打断。
⑮
克里斯蒂安·马克雷
christian marclay
展位：u17
fraenkel gallery
& 白立方
white cube
& 保拉库伯画廊
paula cooper gallery
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克里斯蒂安·马克雷，《门》(doors, 2022) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
单通道视频装置、彩色和黑白、有声，54分钟（循环）
图片来源：巴塞尔艺术展会
《门》(doors) 是一部由电影和电视片段组成的影像拼贴作品。在过去的10年，克里斯蒂安·马克雷收集了许多包含门的开启或关闭的电影片段，并编辑了这些片段，使我们看到演员们如何在穿过一扇门之后进入另一个空间。这个过程强调了剪辑的位置，意味着从一个电影到另一个电影的衔接，以及从一个声景到另一个声景的过渡。通过同时融合音频和视觉，这个富有技巧的蒙太奇呈现出迷宫式的徘徊。身处其中的角色迷失并重新找到自我的空间，同时也呼应了展览中观众的移动。马克雷如此表述：“门当然具有象征意义，但我更把它看作是雕塑性的。我的视频是一种心理建筑，观众可能会跟随，也可能迷失其中。”这件作品也是近期在蓬皮杜艺术中心 (centre pompidou) 举行的马克雷作品回顾展的重点。
⑯
戴蒙德·斯汀格雷
diamond stingily
展位：u75
galerie isabella bortolozzi
& cabinet gallery
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戴蒙德·斯汀格雷，《他是怎么死的》(how did he die, 2016) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
黑白录像、有声、铁丝网，8分38秒，尺寸可变
图片来源：巴塞尔艺术展会
1990年出生于芝加哥贫困区的黑人艺术家和诗人戴蒙德·斯汀格雷在2016年创作了《他是怎么死的》(how did he die)，以此暗喻美国系统性的阶级与种族不公正。这件单通道投影作品通过黑白录像，展示了年轻的非洲裔美国女孩在学校操场上一边跟随音乐舞蹈，一边号召观众互动的场景。值得注意的是，观众需要站在铁丝网围栏的另一面观赏这件投影装置，铁丝网的阴影也因此投射在屏幕，将影像分割并与其重叠。
⑰
文京元&全俊昊
moon kyungwon & jeon joonho
展位：u43
gallery hyundai
文京元&全俊昊，《来自无处的消息：月食》(news from nowhere: eclipse, 2022) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
视频/声音/灯光装置：单通道视频，17分钟
图片来源：巴塞尔艺术展会
文京元和全俊昊的视频/声音/灯光装置作品《来自无处的消息：月食》(news from nowhere: eclipse) 描绘了一名在海上救生艇中生活着的男子。该作品展示了人类如何渴望基本的自由，以及如何渴望从虚拟现实的领域中解放出来。主人公永远处于虚拟与现实的混乱状态中——他认为自己是世界末日的唯一幸存者，但实际上他生活在一个被操纵的环境。为了保持理智并摆脱孤立，他每天都写详细的日记，但却因为日常生活无休止地重复而最终陷入疯狂。这件作品就像一个光之牢笼，投射在大型led屏幕上的动态图像与声音灯光同步，同样使观众沉浸在现实与虚拟世界之间趋于消融的界限中。
⑱
齐纳布·塞迪拉
zineb sedira
展位：u32
梅隆赫画廊
mennour
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齐纳布·塞迪拉，《梦想没有标题》(dreams have no titles, 2022) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
彩色录像、16毫米和数字电影、有声，23分49秒，循环
图片来源：巴塞尔艺术展会
《梦想没有标题》(dreams have no titles) 是齐纳布·塞迪拉为去年第59届威尼斯双年展法国馆创作的作品。作品讲述了阿尔及利亚在获得独立之后，法国、意大利与阿尔及利亚在文化变迁、知识生产和传播，以及历史书写方面的转折点。塞迪拉以自传式的叙事，结合档案、小说和纪录片的语言，创造了一个与解放斗争有关的政治联盟。在老式电影院里放映的《梦想没有标题》同样也是一部“关于电影的电影”，塞迪拉在其中挪用了诸如《阿尔及尔之战》、《自由之手》以及《舞厅》等等电影遗产的标志性场景，通过重新激活这些几乎被历史所忽略的“第三世界”美学。这一借助屏幕掀起的文化政治革命，不仅仅与反殖民运动有关，也意味着在情感、行动和意识形态上对团结的呼吁。
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⑲
斯坦·道格拉斯
stan douglas
展位：u31
卓纳画廊
david zwirner
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斯坦·道格拉斯，《夜晚》(evening, 1994) 在巴塞尔艺术展巴塞尔展会现场，2023
三屏影像装置、彩色有声，14分56秒（循环），整体尺寸可变
© stan douglas
图片来源：巴塞尔艺术展会
作为斯坦·道格拉斯最早的装置作品之一，《夜晚》(evening)重构了三个虚拟电视台在1969年1月1日和1970年1月1日两个不同夜晚的新闻节目，特别关注“快乐谈话” (happy talk) 的兴起，即无论新闻内容如何都要面带微笑地播报。创作于1994年的《夜晚》是对信息呈现、接收和传播方式的先知先觉，预示着有线新闻、互联网和“假新闻”的兴起。这幅作品处于美国战后岁月的闪亮宣传开始褪色的时刻，反映出道格拉斯长期以来对这种过渡时刻的兴趣，以此作为理解我们当前处境的一种手段。这件作品的另一个版本保存在芝加哥当代艺术博物馆。
⑳
安妮·伊姆霍夫
anne imhof
展位：u66
施布特-玛格画廊
sprüth magers
& galerie buchholz
安妮·伊姆霍夫，《小丑》(jester, 2022) 在爱知三年展展览现场，2022
双通道视频装置、彩色、有声，57分钟
图片致谢艺术家，施布特-玛格画廊和buchholz画廊
摄影：tololo studio
安妮·伊姆霍夫的作品《小丑》(jester) 是为 2022年日本爱知三年展 (aichi triennale) 构思的双频道视频装置。 这部电影取材于伊姆霍夫2021年在巴黎东京宫 (palais de tokyo) 的表演《静物》(natures mortes) 中的片段，经过剪辑以创造另一个层次的叙述。表演者随着音乐的强度以缓慢的动作剧烈地移动，偶尔发出不被听见的尖叫声。作品名称中的“小丑”则是引导观众穿越这个地下表演景观的角色。
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