演员和动画师都会运用表演技巧来塑造角色，但动画师会面临额外的挑战，即同时具备主观和客观的角色塑造方法。对于他们来说，培养敏锐的洞察力以及对音乐节奏的理解对于描绘各种角色并准确刻画其微妙差异非常有帮助。
值得注意的是，优秀的动画师在没有背景声音或配音的情况下，也能控制指导角色完成出彩的表演。
通过研究学术界、商业化工作室的动画课程，以及分析专业动画师对表演的看法，我们会发现表演课程对于动画师的成长来说十分重要。然而，目前还没有任何一门研究行为和表演的课程来适配不断扩大的动画市场需求。
为了塑造创造一个角色，动画师不仅要理解表演，还必须能够指导动作演员，并与其进行交流，以供参考或动作捕捉。
学好表演，任重而道远。为了帮助动画师们找准学习方向和改进技巧，本文将带大家一览动画大师们对表演的理解，以供新手动画师们借鉴，从而制作出与观众产生共鸣，赏心悦目且生动鲜活的动画。
john canemaker
纽约大学 tisch 艺术学院、动画历史学家
行动分析和表演技巧同样重要，大部分经典动画的主要情节，都是围绕人物角色所展开。
canemaker 认为要想创作出优秀的动画作品，了解表演、动作分析、故事结构、以及传统动画等领域至关重要。他想让新人动画师领悟这些，帮助他们「感受」自己的身体，然后把这种「感受」投射到他们的动画角色模型上。
合格的动画师都需要了解自己的身体。动画师们可以通过运动、表演或舞蹈等各种方式去探悉身体。
在 30 年代，有一些舞者被用作角色参考的例子。俄罗斯蒙特卡洛芭蕾舞团的丹尼洛娃（alexandra danilova）被带到画室为《幻想曲》（1940）中的鸵鸟摆姿势。白雪公主的模特是马姬·钱皮恩（marge champion），她还为《木偶奇遇记》中的蓝色仙女和《幻想曲》中跳舞的河马提供了动作原型，你可以从角色的姿势和举止中看到她芭蕾舞般的优雅。
canemaker 当了大约 10 年的演员，所以他知道表演、沟通和摆姿势的重要性，他鼓励想要学会表演的学生们去上表演课，研究乌塔·哈根（uta hagen）的作品，或去看音乐喜剧、哑剧。
在经典的迪士尼电影中，只需通过角色动作，你就能了解角色的感受和彼此之间的关系。因为经典动画中的肢体语言和表达是如此精炼直接，以及富有表现力，所以不需要听音轨，你就能理解动画所描绘的是什么。
brett varon
《恶搞之家》导演助理
对 vaeon 来说，制作一场戏最好的方法就是亲自表演，在表演过程中找到一些新的灵感。他认为一个动画师要像舞者一样，拥有灵动的肢体表达，尽可能通过视觉表达想法。
如果有机会上表演课就更棒了，与观看参考文献相比，这样做能让动画师有更透彻的理解，让其技能更上一层楼，投入的时间和精力越多，表演就越能与动画天赋相结合。
jim duffy
klasky csupo 的导演、创意制片人
klasky csupo 工作室认为导演和故事板艺术家应该拥有强大的表演能力和作曲技巧，所以工作室特地提供了表演课程。
这些课程并不是为了教他们表演，而是为了提高他们对角色可能正在经历的动机和情感的认识，以便他们能够更好地构建每个镜头。当艺术家获得剧本和音轨时，他们就会开始设想角色的内心思考和外在动作，为了吸引观众，镜头必须有趣。
导演和艺术家的工作，是通过更多场景中呈现的视觉线索，来增强演员的声乐表现。 duffy 希望工作室所提供的课程能够帮到艺术家们，为他们提供更多有用的工作工具。
frank gladstone
梦工场动画培训总监
动画制作是一种与声音同步的哑剧，声音传达了时间节点和角色态度，而动画师负责根据声音来创作相应的表演。因此动画师必须了解角色，要能在静音状态下，处理正在表演的哑剧场景或序列，在没有任何声音或时间线索的情况下进行角色塑造。
无论你是在为一匹马、一头水牛或一个人制作动画，你在时间、表情、姿势、剪影、动作线条和编舞方面都要有同样的考虑。
如果一所学校只教人们如何操作电脑，而不教基本原则，即基本的艺术原则和基本的表演原则，那么这对想成为动画师的学生来说是一种伤害。无论他们在动画方面的专业是什么，无论是传统动画还是 cg 动画，艺术家们都必须具备良好的设计和构图知识。
randy nelson
皮克斯大学校长
nelson 认为动画师们只需要了解演员如何表演，而非成为演员。
皮克斯工作室的工作方式极其有趣：每个人，从最缺乏经验的动画师，到最有经验的导演——所有人——每天都聚在一个房间里，坐在一起看材料。与传统动画中一个动画师负责整个表演中的一个特定角色不同，nelson 和他的团队希望在每个场景中都能找到角色和动画师之间的最佳匹配。
当动画师负责一个特定的场景时，他要对该场景中的所有动作、角色进行动画处理，直到完成该场景后，才会开始塑造另一个场景。但随之而来的问题是，构建场景的时间过长，很难持续给画面带来新鲜视角，而皮克斯独特的工作方式可以带给动画师——连续性和新鲜感的两全其美。
皮克斯团队由形形色色的人组成，但有一点把他们联系在一起，那就是每个人都是终身学习者。
gleen mcqueen
皮克斯动画总监
动画师所要做的是为角色想出可信的表演。对 mcqueen 来说，作为一名动画师，为了创作出令人信服的表演，你必须了解故事的内核和外在。
动画师必须比演员更善于分析。演员是活在当下去进行表演的，而动画师有时得为一段动画表演沉浸好几个星期，所以在最初的灵感产生时做好记录非常重要，因为一旦进入细节阶段，很容易忽略镜头的核心内容，而过度关注那些并不一定使表演更有趣和真实的细枝末节。
mcqueen 认为表演课很有价值，任何能激发动画师想象力的东西都是灵感的源动力。
然而，大多数优秀动画师的工作能力已经非常强大，以至于他们能够凭直觉判断什么更适合角色，因此找到满足动画师特殊需求的表演课程是很困难的。
皮克斯的动画师们，在描绘情感时都是从身体开始，最后才是脸部。描绘一种情绪的最好方法之一就是从哑剧的角度来看待它，并问自己：我该如何用身体来传达这种情绪？动画师更需要身临其境地感受角色当下的情绪，给动画角色的表演注入灵魂，即使在脱离声轨的情况下，也能让观众也能感受到画面所传递的情绪。
演员录制配音的过程是极其重要的灵感源泉。在录音过程中，演员可能会重复 10 多遍台词，这对动画师来说是非常好的素材。你可以从镜头二中捕捉到一个手势，从镜头四中捕捉到眼睛，还可以从镜头七中演员头部的动作中获得灵感。
即使演员没有做手势，面部表情也不够丰富，但他们对话的节奏也会极大地影响镜头的节奏。然而，过于强调每个口头音符的肢体动作可能会让观众感到混乱和困惑，因此保持镜头的趣味性，最好的方法是创建推拉视角和操纵镜头节奏。
craig kellman
视觉开发和角色设计师
有的角色设计师考虑角色设计的美观性，多过角色本身的塑造，kellman 认为：无论这些角色的身份是什么，动画师都应该把自己置入其中，设身处地去扮演他们。动画师必须要学会表演，否则角色就只是设计，毫无生气，为了避免如此，动画师就需要像演员一样，从各个角度去观察角色。
一个好演员不仅要考虑角色外在，还要考虑其内在特质，动画师亦然。假设这个角色是一头十几岁的牛，那怎样让这个角色看上去不仅是一头牛，还是一个少年呢？也许它非常笨拙和尴尬，那么可以增加一些长长的牛角、高重心和超大的蹄子，这样视觉上它便像一个荷尔蒙失调的青春期青少年。
kellman 认为学习表演很重要，因为表演不只存在于动画中，也存在于设计中。一个好的动画师，会让动画设计变得栩栩如生，角色塑造得活灵活现。
jim bresnahan
前蓝天首席动画师
有许多动画师正从事商业性工作。如果角色必须为商业广告表演，那么他们需要做什么呢？对于复杂的角色设计，布雷斯纳汉通常会亲自示范表演。
bresnahan 及其团队曾经为蔓越莓坚果麦片做了一个广告，需要在蔓越莓和燕麦片之间跳探戈，于是他们请来了几位探戈舞者录制视频，这对动画设计很有帮助。
他认为要成为一个优秀的动画师，拥有对动作的感知力尤其重要，当你静坐在电脑前，你的律动感可以帮助你塑造角色并构思表演。和音乐一样，改进动画生硬的最佳方法是培养自己的节奏感和时间感。
表演的重要性毋庸置疑，更深层次的是动画师们需要更抽象、更具体地去理解演员的思维过程。动画师往往会在动画技术方面下功夫，但随着计算机动画技术的进步，角色身上出现的一些与众不同的细微之处，才是考验「谁会成为一个真正优秀的动画师，什么技能是真正有价值的」关键所在。
优秀的动画师往往具有优异的视觉审美和极高的表演敏感性，那些擅长表演，能够传达自己从优秀真人演员那里捕捉到的特殊微妙之处的人，将有机会大放异彩。
daniel robichaud
vivid 创意发展副总裁
角色动画是一种表演形式，动画师通过扮演角色来进行表演，这意味着动画师还要成为优秀的行为分析师。这就是为什么在《tightrope》中，当需要为两个角色分配首席动画师时，robichaud 希望确保首席动画师的个性与他们要制作动画的角色相似。
不同性格的角色动画师都拥有一个共同点——敏锐的观察力，这是十分重要的技能，因为拥有它，你只需要吸收、分析和理解你从观察中记住的东西，然后将其应用到你的动画制作中，就能助你一臂之力。
alberto menache
角色技术指导主管
menache 有一家制作视频游戏、视觉特效、广告和动作捕捉的公司。他发现，人们很容易高估动作捕捉的作用，以迪士尼动画 12 原则中的挤压和拉伸为例，人类表演者很难做到这一点。用动作捕捉技术制作卡通人物不太现实，但当需要人形角色时，动作捕捉就会很有用。
例如在迈克尔·杰克逊的《ghost》中，捕捉迈克尔·杰克逊的真实动作显然比让动画师试图复制这些动作要好；《人鬼情未了》也说明了动作捕捉的用途，或者如《永远的蝙蝠侠》《蝙蝠侠与罗宾》，动作捕捉演员可以为人群或特技提供真实的动作。
当 menache 拥有自己的工作室时，他发现大多数客户真的低估了拥有一个好导演和一个好演员的价值。客户方有时会让程序员来设计动作，毫不在意角色是否有个性，对于电子游戏来说，你可以这么做，但对于商业广告或视觉特效来说，这是不可接受的。
mary ann daniel
动作捕捉和真人演员
动作捕捉和真人演员肢体动作的设计、身体的结构、情感环境、关于角色的一切都决定了动作捕捉演员如何进行表演。daniel 认为听音轨节奏并记住它对于表演至关重要，作为一名演员，必须遍历每一句台词和每一个拐点，因为这会影响身体的反应。
而作为舞蹈家、演员和音乐家的背景，决定了 daniel 在听到画外音的节奏时，能马上理解如何诠释其转折节点，这和舞蹈的去关注到卡点是一样的。
一个动作捕捉演员必须将配音演员所做的事情结合起来，并为其带来独创性，就好像两个演员共同创造了一个角色。如果导演在了解演员工作过程的同时，还掌握动作捕捉技术，会对动作捕捉表演很有帮助。
lorenzo
音乐、广告和动画配音人才
lorenzo 可以使用基本相同的声音语调，来扮演各种类型的角色。一个有创意的导演善于挖掘演员身上的魅力，很多时候，导演会问一些不知道如何定义的东西，在这种情况下，他试着凭直觉判断导演最终想要什么。即使配音演员和导演说的非同一种语言，但他们的思维却奇妙地相通。
lorenzo 有一种非常简单的方法可以帮助动画配音演员：与其给出动机、历史和各种心理因素，不如告诉配音演员，你想让角色更老、更年轻、更快、更慢、更聪明、更笨、更柔软、更响亮——即二元性。
当导演想达到某种效果，直接告诉演员，让他们来思考如何演绎片段，如果还想要一些不同的东西，就要求演员以二元性为基础，角色所有的行动和可能性。
不忘初心，方得始终。动画师的成长之路并不是一帆风顺，希望本文能够为动画同行们和今后想从事动画工作的朋友们提供一些帮助，启发更多灵感。愿大家早日成为「戏精」动画师，塑造出富有生命力的独特角色。
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